Faire vivre ses dessins, ce n’est pas seulement une affaire de talent ou d’inspiration. C’est une discipline, une série de choix concrets qui, mis bout à bout, transforment une passion en activité viable. Ici, pas de promesse creuse : il s’agit de stratégies testées, de méthodes éprouvées et de retours d’expérience sans fard. Que vous rêviez de partager vos créations, de les transformer en objets ou d’en faire un revenu, ce guide vous embarque dans le vif du sujet.
Présentez, transformez et vendez vos créations, Guide complet 2020
Par Marie Boudon · mis à jour le 23 juin 2020
Dans ce guide, vous trouverez :
- Des méthodes concrètes pour mettre en valeur vos créations et gagner en visibilité sur les réseaux sociaux.
- Des astuces pour convertir vos œuvres en cartes, affiches, objets personnalisés grâce aux outils numériques.
- Des pistes pour vendre vos créations et passer du rêve à la réalité commerciale.
Ce guide s’adresse avant tout aux créateurs 2D : dessin, aquarelle, gouache, acrylique, pastel, encre, mix media, collage, enluminure.
On entre dans le vif du sujet.
Sommaire
Partie 1
Présenter vos créations et développer votre visibilité
Partie 2
Prendre des photos de vos œuvres
Troisième partie
Transformer vos créations en objets
Partie 4
Vendre vos créations
Partie 5
Conseils avancés
Envie de booster votre art, d’augmenter votre visibilité, de transformer vos œuvres en produits et d’intéresser des professionnels ? Je vous partage ma méthode numérique dans cette masterclass gratuite.
Partie 1
Présenter vos créations et développer votre visibilité
Mettre en valeur ses œuvres, c’est la base. Pourquoi s’en priver ? L’image parle avant tout, et si vous visez la reconnaissance, impossible de faire l’impasse sur des visuels soignés.
Mon parcours en est la preuve : en rendant mes œuvres accessibles à un large public, j’ai pu donner une véritable impulsion à mon activité créative.
Pourquoi présenter vos créations ?
Le règne du visuel ne fait que s’accentuer. Si vous souhaitez émerger, impossible de rester discret : il faut montrer, publier, partager. La présence en ligne est devenue un passage obligé, et cela passe par des images nettes, inspirantes, fidèles à votre travail.
Attendre que votre art soit repéré « par hasard » est une stratégie d’immobilisme. Comme le souligne Antoine Titus dans son analyse d’Instagram en tant que réseau social de l’artiste : «Ceux qui n’ont rien fait pour se faire remarquer ne le seront pas.»
Je comprends que l’aspect technique ou l’investissement dans du matériel puisse rebuter. Pourtant, c’est aujourd’hui un passage obligé pour qui veut sortir de l’ombre. Une visibilité accrue attire l’attention de partenaires et ouvre des opportunités. Et cela, concrètement, vous permettra de créer davantage et de développer votre démarche artistique au-delà du cercle restreint de l’atelier.
Comment la présentation de mes créations a changé la donne
En 2015, j’étais encore au balbutiement de ma pratique. Pourtant, j’ai rapidement compris que soigner la présentation de mes œuvres ferait la différence. Des images fades ou floues ne rendent pas justice à un travail abouti. En améliorant mes visuels, j’ai vu mon audience grandir et, avec elle, des occasions concrètes.
Grâce à ce travail sur les images, deux maisons d’édition m’ont repérée. Trois livres et trois carnets plus tard, certains traduits en neuf langues, mon expérience confirme l’impact de la visibilité maîtrisée. Sur Pinterest, plus de 3 à 4 millions de visiteurs mensuels consultent mes épingles, générant du trafic vers mon site et mon univers artistique. Instagram dépasse désormais 40 000 abonnés. Ces chiffres ne garantissent rien, mais ils facilitent la prise de contact avec les professionnels. Des visuels propres et professionnels rassurent et donnent envie de collaborer.
En moins de trois ans, ces efforts m’ont permis de vivre de mon art.
Comment valoriser vos créations ?
Voici les trois méthodes que j’utilise régulièrement pour mettre en valeur mes œuvres :
- Photographie
- Numérisation
- Maquettes
La photographie me permet de montrer mon travail dans un contexte, en créant une atmosphère, une histoire autour de chaque pièce.
La numérisation, elle, vient nettoyer et sublimer l’œuvre. Fini les fonds gris ou les petites imperfections : un bon scan, quelques ajustements, et la création retrouve tout son éclat.
Enfin, les maquettes permettent d’intégrer l’œuvre dans différents univers, de visualiser un dessin sur une carte, un coussin, un livre… Sans même passer par la fabrication, on projette déjà l’objet fini. Pratique, rapide, et diablement efficace sur Instagram. J’utilise souvent mes propres maquettes ou celles que j’achète, cela me fait gagner un temps considérable.
Quel réseau social privilégier pour votre art ?
Instagram reste la plateforme phare pour les artistes, surtout dans les arts graphiques 2D : aquarelle, dessin, collage, pastel, etc. Ici, l’image prime et tout le monde y trouve sa place, débutant comme confirmé.
La plateforme n’a rien d’un club réservé à une génération. Vous pouvez y créer votre propre communauté ou rejoindre des groupes existants, comme cela s’est produit avec l’aquarelle moderne francophone il y a quelques années. Aujourd’hui, ce sont des milliers d’artistes qui partagent et s’encouragent chaque jour.
Instagram sert aussi de vitrine pour capter l’attention des marques ou de professionnels. Considérez-le comme votre portfolio. Des images ternes ou floues ne jouent pas en votre faveur.
Pinterest est le deuxième outil incontournable : moteur de recherche visuel surpuissant, il peut propulser vos créations à grande échelle.
Pour démarrer, concentrez-vous sur un réseau à la fois. Prenez le temps d’en comprendre les codes, d’y être actif de façon régulière. Des applications comme Preview ou Planoly peuvent vous aider à organiser vos publications et à garder une harmonie visuelle sur Instagram.
Partie 2
Prendre des photos de vos créations
Vous l’avez compris, le visuel est la clé. Pas besoin d’un matériel professionnel pour débuter : votre téléphone suffit souvent pour obtenir de très bons résultats, à condition de suivre quelques conseils pratiques.
Quel appareil photo pour un artiste ?
Pour débuter, inutile d’investir dans du matériel coûteux. Votre smartphone fait largement l’affaire, surtout pour alimenter Instagram.
Avec le temps et selon vos besoins, libre à vous d’upgrader votre équipement. Voici comment je procède :
Téléphone
Outil idéal pour apprivoiser la photographie et explorer sans contrainte.
Compact expert
Un appareil compact avec modes manuels avancés, parfait pour jouer sur la profondeur de champ sans s’encombrer.
Reflex
Associé à un objectif 50 mm, il offre un rendu professionnel et un flou d’arrière-plan élégant.
Mais encore une fois, rien ne presse : commencez avec ce que vous avez sous la main, l’essentiel est d’oser et d’apprendre. Si besoin, faire appel à un photographe pour une séance ponctuelle peut valoir le coup. Je le fais régulièrement et ne le regrette jamais.
Améliorer vos photos : quelques conseils simples
Voici quelques techniques qui feront la différence :
- Privilégiez la lumière naturelle : placez-vous près d’une fenêtre, évitez les ombres dures et la lumière directe du soleil.
- Fabriquez un réflecteur maison avec du papier aluminium pour adoucir les contrastes.
- Variez les cadrages et les angles pour montrer différentes facettes de vos créations.
- Pensez au « stylisme photo » : agrémentez la scène avec des objets, textures ou couleurs en lien avec votre univers. Une atmosphère soignée attire l’œil.
Retoucher vos photos : pourquoi et comment ?
Retoucher ne veut pas dire dénaturer : il s’agit de restituer la réalité de votre œuvre, de retrouver la lumière, d’ajuster les couleurs.
Je recommande l’application gratuite Adobe Lightroom, très accessible sur mobile. Une partie des fonctions est payante, mais le principal est à portée de main. Pensez à utiliser l’appareil intégré pour photographier en RAW, cela offre plus de souplesse à la retouche.
Envie d’un rendu homogène ? Testez des filtres, ajoutez votre touche personnelle, standardisez vos visuels.
Envie de passer à l’étape supérieure ? Découvrez comment booster votre art, votre visibilité et transformer vos créations en produits grâce au numérique dans cette masterclass gratuite.
Troisième partie
Transformer vos créations en objets
Donner une seconde vie à vos dessins, c’est possible grâce à la numérisation. Voici ce qu’il faut savoir :
- Comprendre le principe de la numérisation
- Découvrir les objets réalisables à partir de vos œuvres
- Choisir le matériel adapté
La numérisation, qu’est-ce que c’est ?
Numériser, c’est passer du support papier à l’ordinateur. Il s’agit d’obtenir un fichier propre, net, sans fond gris ou défauts parasites. Photo ou scanner, à vous de choisir la méthode, puis quelques retouches suffisent pour retrouver l’éclat de l’original.
L’intérêt ? On peut corriger une petite erreur, ajuster une couleur, supprimer une tache. Ou même aller plus loin : changer un élément, recomposer une œuvre à partir de plusieurs éléments peints séparément.
Quels objets créer à partir de vos œuvres ?
Une fois votre création numérisée, les possibilités s’ouvrent :
- Affiches et reproductions à imprimer
- Papeterie : cartes, faire-part, carnets…
- Objets du quotidien : sacs, pochettes, trousses
- Linge, tissus, vêtements, coussins
- Étuis de téléphone
Par exemple, je peins souvent des éléments séparément et les assemble ensuite numériquement pour créer des motifs ou des compositions originales.
Quel matériel utiliser pour numériser ?
Scanner
Le scanner reste la solution la plus polyvalente. J’utilise l’Epson V550, plat et efficace, qui permet de numériser aussi bien de grandes œuvres que des formats plus petits. La haute résolution permet d’agrandir un format A5 jusqu’à l’A2 sans perte de qualité.
Faire appel à un professionnel reste possible, mais pour la plupart des artistes, il est plus rentable d’apprendre à le faire soi-même.
Appareil photo
Un appareil photo, ou même un smartphone récent, permet également de numériser vos œuvres, surtout si le scanner n’est pas accessible. N’espérez pas imprimer au-delà du format A3, mais pour débuter, c’est déjà beaucoup.
Voici une illustration prise avec un iPhone 11 :
Après traitement dans Photoshop, le fichier peut être imprimé jusqu’à 44 cm de large :
Logiciels
Une fois la numérisation réalisée, il faut passer au traitement d’image. Photoshop reste la référence : largement adopté, il facilite aussi la collaboration avec imprimeurs ou éditeurs. Il propose une panoplie d’outils pour nettoyer, ajuster, incruster vos œuvres sur des maquettes, etc. L’abonnement (Photoshop + Lightroom) coûte 12€/mois.
J’ai testé d’autres options :
- Snapseed (gratuit) : bien pour retoucher la luminosité, mais trop limité pour les scans professionnels.
- Photoshop Elements : bon pour des retouches basiques, mais limité dès qu’il s’agit d’affinage ou de maquettes.
- Affinity Photo : abordable, mais un peu moins performant pour les ajustements fins et la création de maquettes.
Pour la majorité des besoins, Photoshop reste imbattable. Affinity Photo est une alternative intéressante côté budget.
La prise en main de Photoshop peut impressionner, mais elle reste accessible, quel que soit le niveau de départ. Mes élèves y arrivent très bien, même les plus réfractaires à l’informatique.
Les grandes étapes de la numérisation
Chaque création mérite le meilleur soin. Avec Photoshop, je procède généralement ainsi : scan ou photo, nettoyage du fond, ajustement des couleurs, suppression des petits défauts, puis sauvegarde en haute définition.
Envie d’aller plus loin ? Découvrez comment donner une nouvelle dimension à votre art dans ma masterclass gratuite.
Partie 4
Vendre vos créations
À ce stade, plusieurs options s’offrent à vous pour transformer vos œuvres en revenus. Voici un aperçu des principaux modèles, avec leurs avantages et leurs limites.
Créer des produits physiques
La première voie consiste à fabriquer et vendre des objets concrets : originaux, tirages, cartes, affiches, mugs, sacs…
Deux solutions existent :
- Gérer vous-même toute la chaîne : choisir les fournisseurs, tester vos produits, gérer le stock à domicile, emballer et expédier.
- Déléguer la fabrication et la distribution à un site partenaire, qui prendra une commission.
La première demande plus d’investissement (temps, logistique), la seconde est plus simple mais offre moins de contrôle sur la qualité et la marge.
Créer des produits numériques
À partir de vos œuvres numérisées, il est possible de vendre des fichiers numériques.
Licence
Une marque peut acheter une licence de votre création pour l’exploiter sur ses propres produits. J’ai ainsi vu mon art devenir un puzzle ou décorer des cahiers.
Illustration personnalisée
Proposez des œuvres sur-mesure à des clients, pour leur communication (logo, bannière, supports imprimés).
Autres modèles économiques
De nombreuses idées 100% numériques sont possibles : templates, motifs à télécharger, etc. Je détaille ces options dans mon programme Destination Digital. Plus vous explorez, plus vous multipliez les sources de revenus potentiels.
Où vendre vos produits ?
Commencez par présenter vos œuvres sur les réseaux sociaux, avec une attention particulière pour Instagram. Les premières ventes peuvent se faire de façon informelle, pour tester la demande et affiner votre offre.
Ensuite, créez une boutique professionnelle : une page Etsy (simple mais avec commissions) ou votre propre site (plus de liberté, mais plus de travail). Personnellement, j’utilise WordPress pour mes sites, mais Squarespace est aussi une solution accessible et tout-en-un.
Quant au choix du statut, il dépend de chaque parcours. Je ne vends pas mes originaux et exerce sous le régime de la micro-entreprise, avec une activité principale axée sur les vidéos.
Partie 5
Conseils avancés
Pour aller plus loin, voici quelques astuces numériques qui vous feront gagner du temps et enrichiront votre univers créatif.
Créer des maquettes photo
Les maquettes sont devenues un outil incontournable pour présenter mes œuvres. Il s’agit d’intégrer une création à une photo existante, la vôtre ou celle d’un autre photographe, grâce à Photoshop.
Regardez l’image ci-dessus : ce motif n’a jamais été imprimé. Je l’ai simplement intégré numériquement sur un tissu pour donner une idée du rendu final.
Si votre atelier n’a rien de photogénique, cette méthode permet de projeter vos créations dans des environnements variés.
Autre atout majeur : le gain de temps. Plus besoin de fabriquer systématiquement chaque objet ou d’organiser une séance photo complète. En quelques clics, votre visuel est prêt à être partagé ou présenté à un client.
Vous pouvez créer vos propres fonds (livres, cartes, toiles vierges) et y intégrer vos numérisations ensuite. Voici un exemple personnel : une photo d’un livre blanc, sur laquelle j’incruste différentes créations. Pratique, rapide, professionnel.
Ajouter de la texture à une œuvre numérique
Sur iPad ou tablette graphique (ou même avec une souris, pour les plus patients), il est possible d’enrichir vos créations en ajoutant des textures ou en peignant des éléments numériques. Photoshop facilite la fusion entre le traditionnel et le digital.
Réaliser un brouillon numérique
Le numérique permet aussi de préparer un brouillon, tester des couleurs, composer des moodboards avant de passer à la peinture. Pour moi, la sécurité d’un brouillon réalisé sur iPad précède souvent la version finale à l’aquarelle.
Conclusion
Maîtriser l’art de présenter ses œuvres, photos ou scans, change tout. Cela met en lumière votre travail, nourrit la fierté et ouvre la voie à de belles perspectives, qu’il s’agisse d’un défi personnel ou d’une ambition professionnelle. Ce sont des heures de création, de découverte et parfois de surprises inattendues qui vous attendent, à la croisée de l’art et du numérique.
